"Son muchos los artistas que incorporo en estos trabajos, particularmente, a aquellos que se sitúan en un lugar de mirada con relación al arte que comparto, entre los que podría mencionar a Simone Martini, Odilon Redon, Marcel Duchamp, Yves Klein, Andy Warhol, Francis Bacon y David Nebreda", señala Jorge Gaete, artista y académico del Departamento de Artes Visuales, sobre al exposición "Mirada tachada" que inaugura este 3 de diciembre, a las 19:00 horas, en la Galería de Arte Guillermo Núñez (Gran Avenida 12.552-B, comuna de El Bosque).
Alrededor de diez piezas de 75 x 75 centímetros -compuestas cada una de cuatro fotografías-, y seis trabajos correspondientes a imágenes individuales de 110 x 80, conforman esta muestra donde el autorretrato toma protagonismo como eje y soporte de algunas preguntas relativas a la identidad. "Se trata de reconocer la identidad propia en la identidad de los otros, la similitud de maneras de mostrar y de mostrarse en una opción que presenta una mayor proximidad a lo que nos identifica de mejor manera: nuestro cuerpo. Hablar desde la referencia al cuerpo para dar cuenta de lo que pasa en el mundo, es traer el mundo a uno y devolverse transformado al mundo" explica el artista.
Interesado en trabajar con el autorretrato por distintos motivos, entre ellos por cómo "se fusiona y construye en la materialidad de la obra una identidad que habla de una suerte de 'doble lengua' -la artística, que se hace cargo de instalar las preguntas propias de los problemas vinculados a la actualidad del arte y sus problemas, y la personal, referida a la manera en que interrogo al mundo desde mi propia sensibilidad-", agrega el académico, el autorretrato ya había sido abordado por este artista en distintos momentos pero de manera fugaz.
Y es que para él, toda obra es en sí misma un desplazamiento del propio cuerpo hacia la objetualidad de la obra, es decir, "toda obra es, en este sentido, un cuerpo desplazado. Particularmente, el autorretrato es lo que muestra de manera más evidente la identidad del autor, acotando la distancia entre el objeto representado, que es el rostro, y lo que reconocemos con mayor facilidad como imagen de esa identidad, ese mismo rostro". Por ello es que en esta muestra en particular, Jorge Gaete establece una relación con artistas que han trabajado, entre otras cosas, con el autorretrato y que además son parte de aquéllos que considera relevantes como referentes de su trabajo.
¿Quiénes son sus principales referentes y cómo se hacen visibles en estas obras?
Además de los ya mencionados, principalmente a Durero, que desde su autorretrato conocido como "Durero como Cristo" -donde se apropia de la postura frontal del rostro que hasta ese entonces había sido un lugar exclusivo para la representación del rostro de Cristo-, hace un giro que atraviesa hasta el día de hoy la noción del artista como tema del arte, como la identidad legitimada para decir lo que acontece en el mundo representada desde su propia identidad.
¿Hay una intención de traer a escena la historia del arte?
Se podría decir que el imaginario artístico no sólo lo constituye la propia identidad puesto que está también conformado por la historia del arte en su totalidad: el museo es el lugar donde se conservan todos los registros con los que también uno puede dialogar. Por ello es que obviamente que es deliberado el insertar, manejar en condiciones de cita, pastiche, o cita residual, las obras de estos artistas. Existen diferentes grados de apropiación de sus gestos formales, entendiéndolos como gestos afines o complementarios a mi propia manera de enfocar mis trabajos. Particularmente, estos trabajos de fotografía digital me permitieron provocar estas relaciones en la medida que entendí estos referentes en su condición de signos: el cuerpo y los autorretratos como signos posibles de trabajar simultáneamente en un solo rostro.
¿Cómo dialoga ello con esta muestra en que la intervención digital es tan evidente?
Es un asunto de fusión, de cruce de cuerpos, como una analogía de identidades que encuentra un lugar en donde ambas se pueden reconocer. El medio digital lo asumí como una herramienta que surgió de la traslación de los mismos procesos de construcción de imagen tradicionales, como en la pintura o la gráfica. Ahora, lo que traté de construir a través de este medio tiene que ver mucho con los lenguajes propios de estas disciplinas, hay mucho de eso en estas imágenes como también otros aspectos que son propios de estos medios que están ahí presentes. En este sentido, el paso de lo digital instalado en un medio interactivo como lo es la Internet -trabajo que realice hace un par de años donde la interactividad de los individuos con la obra juega un rol que llega a determinar el destino y la definición misma de las cosas-, traído a la superficie detenida de la fotografía, otorga un valor diferente. Exige una detención en la mirada que obliga a establecer un diálogo donde la velocidad y la interactividad se reducen al sólo acto de la mirada del espectador, al silencio de la imagen, a la detención del acontecimiento.
En ese sentido, ¿podría explicar el proceso de construcción de las obras?
Cuando se habla de construcción de obras se hace referencia al lenguaje y su condición objetual. Los trabajos actuales son una construcción que se desplaza en la superficie y su materialidad no es otra que la del papel. Son, por decirlo de alguna manera, la primera epidermis de la impresión láser; están al borde de la inmaterialidad por lo que son tremendamente frágiles. Entonces, su construcción está sostenida en la reducción informática de un archivo llevada a una impresión, asunto que es muy propio de la actualidad. Pero no se debe caer en el engaño de que la materialidad de estos trabajos es otra cosa más que su pura superficie porque sería volver a la idea de la ventana que inaugura la mirada renacentista en la pintura en el siglo XV. Acá solo vemos una impresión que aspira a dar cuenta de un cuerpo consolidado, manipulado digitalmente, presentado como si fuera real. Pero ese asunto es sólo una de las convenciones que la fotografía y los medios digitales han aportado al mundo contemporáneo.
La divinidad es otra temática que conceptualmente le interesa trabajar en su obra. ¿Cómo es entendida la divinidad por usted y cómo se presenta particularmente en esta muestra?
Resulta de mucho interés hurguetear en todos los lugares posibles donde se manifieste aquello que entendemos por lo metafísico, por lo que da un sentido trascendental a la materia, a las obras que realizan los Hombres en cualquiera de sus ámbitos. De hecho, el origen de lo que entendemos hoy por arte se construye desde esas mismas preguntas, asuntos que aún gravitan en el inconsciente de los artistas. Ahora bien, las respuestas son siempre diferentes porque se modifica la mirada a este asunto en la medida que el contexto cambia de valor. La tendencia cada vez más radical de dar un valor al individuo por sobre las colectividades, hace que el valor de lo divino se haga más escurridizo, sobre todo por la satisfacción materialista vinculada al cuerpo que entregan las tecnologías en torno a lo cotidiano. Por ello es que los signos que pueden evidenciar este aspecto han tenido que ser reconstruidos, modificados o actualizados para poder ver en ellos algo que podamos reconocer y asociar con asuntos como la trascendencia. Hoy da la impresión que lo divino, entendido como aquello relacionado con lo trascendente, fuera en retirada. Por eso la idea de "hurguetear", de escarbar la superficie de las cosas para rescatar aquello que desde mi perspectiva les da un sentido también al mundo y a los Hombres, es un motivo que valida la obsesión de construir obras, de crear testimonios de que aún puedan sostener la razón originaria del arte.
¿Por qué "Mirada tachada"?
El título me lo propuso Arturo Cariceo a propósito de las conversaciones que tenemos permanentemente acerca del arte y de nuestros proyectos. El ojo atravesado por una línea que impide mirar, que deja fuera la posibilidad de verse así mismo en el rostro por la presencia del otro que es, al mismo tiempo, uno mismo. El rostro que se contempla es el de todos, por lo que son todos los rostros atravesados por un mismo acontecimiento: el de una identidad extendida al territorio de la historia del arte, al territorio de la totalidad de los Hombres.
¿"Mirada tachada" se relaciona con sus trabajos anteriores?
Los trabajos que presento en esta exposición son la traslación, el desplazamiento de las mismas interrogantes que visualizo como ejes en mis trabajos anteriores al autorretrato. Es un cambio de materialidad y de medio que, obviamente, determina una presencia diferente, la que sin embargo relata los mismos acontecimientos, esta vez, desde la representación fotográfica del rostro. También es importante decir que en estas fotografías están presentes los trabajos anteriores realizados en otros materiales. Aparecen entre los autorretratos fragmentos de objetos de piedra, pantallas en "off", y otras formas que trabajé en fotografía u otros medios como complementos o contextos de los autorretratos. No se trata acá de parodiar el clásico de todos los tiempos "el artista y su obra", asunto muy vigente hasta la modernidad, sino que es la totalidad de los trabajos aunados en la actualidad de este proyecto.
"Mirada tachada" se inaugura este miércoles 3 de diciembre, a las 19:00 horas, en la Galería de Arte Guillermo Núñez de la Casa de la Cultura Anselmo Cádiz (Gran Avenida 12.552-B). En la ocasión, además se inaugurarán las muestras "Almacenaje Femenino" de Jazmín Cifuentes, "Este no es el sueño americano" del estudiante de Licenciatura en Artes Plásticas de la Universidad de Chile, Diego Campillo, y las obras que las también estudiantes de esta Casa de Estudios, Catalina Viera y Consuelo Achurra, realizaron para emplazar en el espacio público de la comuna de El Bosque en el marco de "Galería a Cielo Abierto". Las dos últimas muestras forman parte del acuerdo de colaboración que el Departamento de Artes Visuales firmó con la I. Municipalidad de El Bosque.
