En el marco del Festival Rayons Frais, les arts et la ville, que se llevará a cabo los días 6, 7 y 8 de julio en la ciudad de Tours en Francia, se realizará, entre el 6 de julio y el 30 de agosto, la exposición "Sur Scène", bajo la curatoría de Anastassia Makridou-Bretonneau y Eric Foucault, reuniendo una selección de nuevas creaciones de arte contemporáneo chileno de veinte y un artistas y del colectivo Incas of Emergency, compuesto por cuatro creadores.
Entre los artistas que expondrán en el castillo de Tours, se encuentran los académicos de la Facultad de Artes, Alexis Carreño y Pablo Rivera y los egresados Ignacio Gumucio, Claudio Correa y Claudia Vásquez, entre otros.
Fotografías, instalaciones, esculturas, pinturas y videos, son parte de las distintas disciplinas que componen la muestra "Sur Scène", cuyas obras hacen referencia a materiales y técnicas muy diversificados, que prueban su relación con los enfoques más recientes del arte contemporáneo.
En su mayoría, los trabajos materializan una conciencia política que caracteriza la producción artística chilena de los últimos años. Las contradicciones del mundo contemporáneo, el abismo entre modo de vida tradicional y globalización, los conflictos entre el neoliberalismo y las ideologías socialistas, el ambivalente deseo entre apertura al mundo y pertenencia cultural, están amplificadas en su contexto local. Las obras tratan la complejidad de estas oposiciones, tanto con perspicacia como con sarcasmo.
El académico de la Facultad de Artes, Alexis Carreño, expondrá en "Sur Scène" la obra "Sleep" (2001), la misma que fue exhibida en Corea y en la muestra "Travesías Chile- Asia Pacífico".
Sobre su trabajo, el artista visual señala: "Siento que es una obra bien viajera y creo que los curadores la escogieron porque tenían una mirada política respecto al arte chileno, en cuanto a la transición entre la dictadura y la democracia. Esta obra, en uno de sus sentidos, toca este tema porque presenta una hoz y un
martillo, emblemas del comunismo, los que están hechos en peluche rozado".
El profesor Carreño agrega: "El tema del cuerpo en mi obra es importante, en cuanto aparezco yo como si estuviera durmiendo en un ambiente de fantasía. Yo había trabajado en obras anteriores con objetos de transición, a través de muñecos de peluche que ayudan a que los niños se acostumbren a estar sin la mamá. Ahí hice un desplazamiento del concepto de madre y lo llevé al tema de la ideología, de donde surgió la idea de utilizar el peluche rozado con esa forma y la pose dormida tiene relación con el uso que se le da al cuerpo".
"Al principio, el autorretrato no iba a ser doble, sino que en una sola imagen, pero después me di cuenta que al hacerlo doble se formaba una especie de útero. Eso servía mucho para la idea general de ese trabajo, donde también aparece la idea del espejo, que tiene que ver con la identidad y por otra parte, aparece la idea de los gemelos, de cómo ser uno, otro y distintos", concluye Carreño.
Sobre su trabajo, la artista visual y egresada de la Facultad de Artes, Claudia Vásquez, afirma: "Lo más simple y evidente es el uso del texto. Nunca tuve claro porqué partió esto de utilizar textos en mi obra. Quizás puede ser porque cuando chica nunca dibujaba y sólo escribía, podría ser esa una lectura, pero no sé si será la más interesante. Mi trabajo se caracteriza por ser intervenciones en espacios urbanos con textos y lo otro, es que mis obras aparecen y se desarman, lo único material que tengo es un disco con las imágenes, ya que el registro es todo el trabajo que tengo y eso denota mi desprendimiento de mi trabajo y eso es muy rico por la movilidad que puedo obtener con mi obra".
En muchos de los trabajos que componen la muestra "Sur Scène", aparece el descubrimiento de una modernidad que empezó en los años de la dictadura militar y que traicionó sus utopías. El compromiso de los artistas se expresa con formas abiertas a múltiples aprehensiones, que pueden tomar tanto una dimensión poética como irónica, o bien utilizar el humor negro.
Lejos de proponer una consideración exótica o antropológica, descubrir esta producción artística equivale a desmitificar la idea que uno puede tener en Europa del arte en un país tan remoto.
Esta exhibición da una visibilidad a estos jóvenes artistas más allá de América del Sur y expone sus creaciones, sacándolas de su territorio hacia la mirada de un público que desconoce su contexto de origen. Así, esta muestra constituye para ellos el principio de un intercambio que esperan sea más duradero.
La artista visual y egresada de la Facultad de Artes, Claudia Vásquez, presenta el happening "De Cuerpo presente", exhibido durante el Festival de Performance DEFORME, realizado en el Museo de Arte Contemporáneo, sede Quinta Normal. El trabajo de la artista se instala como una reacción frente a la abundancia de comunicación en los lugares urbanos. Así, 18 intérpretes desfilan en la calle y cada uno tiene una polera impresa con una letra. El conjunto forma la frase Capaz de no decir nada.
Primer piso
1000 Revoluciones de Mario Navarro: container ficticio hecho de madera y chapa que gira sobre un eje rotativo. Preso de su movimiento, éste evoca el movimiento continuo de centenas de millares de estructuras similares en el mundo entero. El título de la obra tiene doble sentido, ya que la palabra revolución se refiere tanto a la rotación como al acto de rebelión.
Esta obra con dimensiones importantes contrasta con las maquetas de la instalación 5 Lugares de Santiago de Leonardo Portus que está expuesta en un espacio contiguo. El artista hace revivir arquitecturas emblemáticas del período del gobierno militar, lugares que testimonian la caída y la imposibilidad de resistencia, pero sobre todo de la transformación radical de la sociedad.
El ready-made de Pablo Rivera, Gacela, bicicleta cargada de bidones de plástico, funciona como verdadero testigo del deseo de (sobre) vivir. En contrapartida de una bicicleta nueva, el artista recuperó este objeto que permite a su propietario, que sufre de insuficiencia renal, tanto acudir al hospital, como transportar y vender los envases vacíos de sus medicamentos.
La singularidad de esta historia, que remite al tema universal de la subsistencia, está puesta en paralelo con dos obras de Ignacio Gumucio. A través del recuerdo de sus diferentes exilios, el artista trata de restituir lugares genéricos tales como hall de aeropuerto o salas de espera. En sus pinturas, la singularidad de los espacios desaparece en beneficio de una proyección mental común.
El espacio público en su dimensión urbana aparece también en el diaporama de Carlos Costa como el teatro del absurdo donde experimenta sus prototipos mecánicos. La fabricación de esas herramientas fútiles, que tienen que sustituir al hombre en varias actividades callejeras (desde el barrendero al mendigo), contesta al lema «Máximo esfuerzo para mínimo rendimiento».
Por otra parte, Gerardo Pulido asimila la modestia a la pobreza de los materiales: sus minúsculas esculturas de living-rooms hechas de miga de pan asombran por su minuciosidad y su fragilidad sumisa a una relativa duración de vida. Esos decorados, cuya estética se refiere explícitamente a las miniaturas turísticas, dan cuenta de las cuatro categorías sociales chilenas.
Los límites entre las clases sociales constituyen también un tema del trabajo de Ximena Zomosa. La condición femenina en los medios modestos o desfavorecidos reduce su actividad profesional a un solo tipo de oficio, el de empleada doméstica. El Welcome Dress, traje estereotipado de la sirvienta de dimensión monumental, da la bienvenida en una casa burguesa tal como denuncian los inmutables códigos sociales.
La instalación de Iván Navarro, Pachamama - Homeless Lamp, enfrenta a una escultura de carretilla hecha de tubos fluorescentes con una proyección video. La canción No soy de aquí, ni soy de allá acompaña las peregrinaciones del personaje del video que empuja la carretilla luminosa a través de baldíos urbanos o estaciones abandonadas. Así, el objeto sublimado por la luz, físicamente presente en la exposición, se muestra en la película empujado sin fin ni destino.
Mónica Bengoa realiza una serie de bordados diseminados en el pasillo del primer piso que imitan detalles insignificantes del lugar (hoyos, agrietados, chorros de pintura ), invitándonos a reconocer el modelo original. La tradición en el arte del bordado se opone a la reproducción fiel de las pinturas de los Maestros, afín de amplificar el vacío de un ocio exclusivamente femenino.
Segundo piso
El video Country de Isabel García es una sucesión muy rápida de imágenes de paneles de venta inmobiliaria en los suburbios de Santiago, donde el deseo de irse es más fuerte que el de quedarse. El ritmo del video relata la violencia de la oferta que aplasta la demanda.
Leonardo Ortega, interesado por el concepto de raíces, dirige verdaderas investigaciones acerca de poblaciones indígenas. El desplazamiento de las poblaciones, la introducción de modos de vida desconocidos están ilustrados por la instalación Agricultura v1.1, en la cual veinte lechugas tratan de crecer en un sofá gracias a un sistema hidropónico, acunadas por el flujo continuo de una televisión. La ironía de esta obra encuentra eco en Combate Chileno-Japonés de
Claudio Correa, díptico que constituye una broma histórica. Reutilizando el estilo académico de la pintura de historia, el artista parodia el mito patriótico exacerbado durante los años de la dictadura a través de dos «cuadros» en forma de salpicaduras.
El trabajo de Magdalena Atria, situado entre pintura y ornamento, utiliza exclusivamente la plastilina desmultiplicando sus infinitas capacidades de simulación, desde la pixelisación high-tech, hasta las creaciones más artesanales. Para la exposición realiza una obra en forma de alfombra refiriéndose al tradicional reciclaje de tejidos.
Sillón Caballo de Caterina Purdy, obra híbrida a lo Frankenstein y situada entre el animal y el objeto, se inscribe dentro de este universo doméstico improbable formado por las obras citadas arriba. La forma del sillón se transplanta en el cuerpo del caballo disecado, imagen humorística de una cultura caballerística.
El anagrama Evil Live de Paz Carvajal enfrenta dos palabras cuya escritura es muy parecida, dos nociones que teóricamente se oponen, pero que se encuentran en la experiencia. La obra imita la forma y la posición de la señalización de seguridad del lugar.
Las esculturas de Patrick Steeger son a menudo imponentes, a pesar de los pocos materiales utilizados (estructuras que se hinchan o acumulaciones de objetos ) y modifican la percepción y la experiencia del espacio. En Tours, muestra una nueva arquitectura en que sólo los ángulos son aparentes. Éstos están realizados en marquetería con molduras de madera en un estilo barroco.
Camilo Yánez trabaja con las posibilidades ilusionistas de la pintura de manera deliberadamente humorística. Mientras que el papel pintado reemplazó la pintura en el siglo XIX, Camilo Yánez ofrece a la pintura la posibilidad de imitar el papel pintado. Un fresco mural recorrerá tres salas del castillo.
El trabajo de Alexis Carreño está principalmente caracterizado por el autorretrato tratado como un estereotipo, el niño adulto. Sleep, es una gran fotografía que representa al artista durmiendo y abrazando un peluche rosa en forma de hoz y martillo y una estrella (referencia a la bandera chilena). El conjunto está desdoblado gracias a un efecto de espejo como en los tests Rorchard.
A los artistas de Incas of Emergency les gusta presentarse como un grupo de individuos reunidos en torno a un error de traducción de «in case of emergency». Se conocieron en un aeropuerto, lugar que inspiró su trabajo por la omnipresencia de las cámaras de vigilancia, la obnubilante inquietud del terrorismo. Se refieren a estos medios de comunicación audiovisuales y a su oscurantismo.
La obra A Tiempo de Kika Mazry, está compuesta por una doble cubierta de lona de plástico impresa, representa dos columnas antiguas a las cuales añadió golillas, las mismas que las de las ropas de papel utilizadas para vestir de distintas maneras a las muñecas. Evocando la ligereza y la idea de una segunda piel, la artista elabora una crítica a la arquitectura de América del Sur, a la que se le aplican ancestrales modelos europeos, recreando de esa manera un patrimonio artificial.
Rayons Frais
Creado en 2003 y administrado por la Municipalidad de Tours, Rayons Frais es una manifestación destacada entre los numerosos festivales callejeros del verano de Francia. Subtitulado «las artes y la ciudad», el festival es pluridisciplinario: danza, música, arte contemporáneo, artes urbanas, teatro. Su originalidad radica también en el hecho de que la programación se construye por un comité de expertos en cada disciplina (Laurent Barré, Maud Le Floch, Karine Romer y las asociaciones Eternal Network y Groupe Laura).
El festival pretende descompartimentar las formas y hacer descubrir al «gran público» trabajos contemporáneos de calidad. Además, el tema de la vinculación entre las obras y los lugares investidos es muy importante: las realizaciones son a menudo contextuales e invitan al público a descubrir y echar una nueva mirada sobre lugares desconocidos, aislados, insólitos.
El objetivo de Rayons Frais es atraer a la más amplia audiencia posible asegurando la entrada liberada a todos sus acontecimientos artísticos.
Para la edición 2007, entre otros invitados están l'Atelier Van Lieshout, Betty Bui, Cumulus, Nicolas Floch, Pascal Kirsh, Antoine Pickels, David Rolland
El Castillo de Tours
Ubicado cerca del Museo de Bellas Artes, el castillo es una mezcla de épocas y estilos diferentes. Del sistema defensivo de la Edad Media sólo quedan dos torres, enmarcando un imponente paralelepípedo del siglo XIX. Los «Compagnons du devoir» (conjunto de asociaciones profesionales que forman jóvenes en oficios tradicionales), muy presentes en la región de Tours, rehabilitaron una gran parte de éste.
El castillo, propiedad de la Municipalidad de Tours, acogió durante varios años un museo de cera reconstituyendo la historia de la región, y un acuario. Ofrece ahora un importante espacio vacío donde están organizadas exposiciones temporales.
Recientemente, la Municipalidad decidió orientar la programación artística del castillo a la creación contemporánea. Así Eternal Network empezó a organizar muestras de artistas como Ange Leccia, Sarkis, Michel Blazy. En el 2005, el Centro de Creación Contemporánea (CCC) cumplió sus 25 años de existencia y para la ocasión, invitó a Daniel Buren al castillo. Por otra parte, en el marco del Festival Rayons Frais se conviertió en un lugar ineludible, ya que la explanada acogió a varias instalaciones artísticas (video, performances, danza, música ).
Eternal Network
Creada en 1999, la asociación Eternal Network inicia y acompaña proyectos de producción y difusión en materia de arte contemporáneo desde su definición hasta su realización y transmisión.
Profesionales del arte contemporáneo, de sus actores y de sus instituciones, los involucrados de Eternal Network plantean una mediación cultural territorial y la capacidad de desarrollar cooperaciones públicas y privadas.
Las diferentes actividades de Eternal Network consideran la posibilidad de instalar la creación artística en un contexto más amplio que el del museo y de los lugares consagrados.
Eternal Network acompaña proyectos como mediador oficial de la Fundacion de Francia para la acción Nuevos Comanditarios, en las Regiones Centro y Bretaña. En este marco, varias obras ya fueron realizadas y otras todavía están en proceso, encargadas por artistas y arquitectos como Patrick André & Anne-Violaine Taconet, la Oficina de "Mésarchitectures" (Didier Fiuza Faustino & Pascal Mazoyer), Bernard Calet, Patrick Corillon, Tadashi Kawamata, Claude Lévêque, Cécile Pitois, Sarkis, Xavier Veilhan.
Deseando ampliar y multiplicar los lugares de encuentro entre la creación contemporánea y los usuarios del espacio público, Eternal Network organiza también exposiciones e intervenciones artísticas efímeras exteriores, en el marco del festival Rayons Frais o de otros acontecimientos regionales como "Images au Centre" (Imágenes en el Centro).